ÍNDICE

1. ¿QUÉ ENTENDEMOS POR MÚSICA ANTIGUA?
2. CANTO GREGORIANO
3.INSTRUMENTOS DE LA MÚSICA ANTIGUA
4. NOTACIÓN MUSICAL
5. MÚSICA ANTIGUA EN ESPAÑA
5.1 REPRESENTANTES PRINCIPALES
5.2 EL CANTO DE LA SIBILA
5.3 CRÍTICA MUSICAL DEL CANTO DE LA SIBILA
6. MÚSICA ANTIGUA EN ARAGÓN

1. ¿QUE ENTENDEMOS POR MÚSICA ANTIGUA?

Generalmente se designa como Música antigua a la Música clasica europea compuesta antes de 1750, aproximadamente. No debe confundirse con la Música de la Antigüedad (o sea, en las distintas civilizaciones de la Edad Antigua).

Música De La Edad Media (1000-1450):
La música medieval comprende toda la música europea compuesta durante la Edad Media, etapa que comienza con la caída del Imperio Romano en 476 y que finaliza en el siglo XV, en 1453, con la caída de Constantinopla o en 1492 con el descubrimiento de América, ya que el fin de la Edad Media y el principio de la Edad Moderna es un límite difuso.
La única música medieval que puede ser estudiada es aquella que fue escrita y ha sobrevivido. Dado que la creación de manuscritos musicales era muy cara, debido al costo del pergamino, y la buena cantidad de tiempo necesario para escribir toda una copia, sólo las instituciones muy acaudaladas pudieron producir manuscritos que han sobrevivido hasta la actualidad. Entre esas instituciones generalmente están la Iglesia y las instituciones eclesiásticas, como monasterios, si bien algunas obras seculares también se conservaron en esas instituciones. Estas tradiciones manuscritas no reflejan mucho de la música popular de aquella era.
Música Del Renacimiento (1450-1600):
La música del Renacimiento o música renacentista es la música clásica europea escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y 1600, aproximadamente. Las características estilísticas que definen la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Entre sus formas musicales más difundidas se encuentran la misa y el motete en el género religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en el género profano, y las danzas, el ricercare y la canzona en la música instrumental. Entre los compositores más destacados de este periodo se hallan Josquin Desprez, Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria.  
Música Del Barroco (1600-1750):
La música del periodo barroco es el estilo musical, relacionado con la época cultural europea homónima, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).

2. CANTO GREGORIANO

Canto gregoriano: Es difícil señalar cual es el origen del gregoriano o canto llano. La iglesia cristiana se sirve de la música, como todos los pueblos primitivos, para dirigirse a Dios, y en este momento comienza a existir el Gregoriano. No podemos señalar la fecha en que esto ocurre. Ya en la época de las catacumbas los cristianos cantan, y todos los Santos Padres valoran la música. El Cristianismo no inventa una nueva forma musical para dirigirse a Dios. El canto Gregoriano es una consecuencia de la confluencia de la música grecorromana y la judía, ya que el Cristianismo surge de estas tres culturas. San Gregorio el Magno es el que crea el Canto Gregoriano.

Tropos: Consisten en intercalar textos nuevos en melodías gregorianas y existen, sobre todo en los Kyries.

Secuencias: Composiciones musicales nuevas, en verso. Su estructura musical más habitual es AA BB CC, es decir, usan una misma frase musical que se repite cada dos versos.

Trovador: Son poetas místicos que cantan ya todos los sentimientos humanos y, sobre todo, un tema fundamental el amor. Con ellos la música pasa de la Iglesia a la corte o al castillo. Son músicos profanos que cantan en estos lugares, Camino de Santiago o la ruta de las Cruzadas.

Cantigas: España en esta época produce un arte musical muy especifico, cuyo ejemplo es la obra del rey Sabio. En esta obra se recopilan 417 melodías de muy diversos tipos: tonadas de los trovadores provenzales, viejos romances y cantos de influencia árabe y judía.

3. INSTRUMENTOS DE LA MÚSICA ANTIGUOS

INSTRUMENTOS DE TECLADO

El órgano

Importantísimo instrumento, generalmente encuadrado dentro de la familia de viento, ya que el sonido se produce al entrar el aire, acumulado en un fuelle, por unos tubos a través de unas compuertas que abren unas palancas directamente accionadas por el teclado. Los tubos en los cuales vibra el aire que produce el sonido son de distintos tamaños, afinados de acuerdo con una determinada escala.
Parece que el origen de este instrumento se halla en el hydraulos, inventado por los griegos, y que puede verse reproducido en el obelisco a Teodosio el Grande en Bizancio (393). De aquí pasaría a occidente, tal vez a través de España, ya que se sabe de su existencia en nuestra peninsula desde el siglo V (San Isidoro lo menciona en su tratado de musica).
Lo encontramos desde la Edad Media en tres versiones:

• Órgano de iglesia, el más conocido por todos. ¿Qué iglesia no tiene uno?. Las características propias de los órganos españoles eran la baja presion del aire, (y la suavidad del teclado como consecuencia directa) y que abundan los ejemplares de un solo teclado, a veces partido por la mitad. En España no tenemos constancia de su uso hasta el siglo X, aunque en Inglaterra, Francia y Alemania esta documentado desde el S. VIII. Los ejemplos de este tipo que se conservan en nuestras iglesias, monasterios y catedrales son en casi todos los casos barrocos. Parece que los de la catedral de Toledo son renacentistas.
• Órgano positivo o realejo. Llamado así porque era necesario posarlo sobre una mesa o un mueble para poder tocarlo. Se utilizaba en la música de cámara y de corte y también en procesiones, subido a un carruaje (ver ilustración) o en andas. Estaba afinado una quinta alta con respecto a los grandes. Puedes ver una preciosa muestra en el monasterio de El Escorial.
• Órgano portativo o de mano, muy usado desde el siglo XII. Su timbre era muy agudo debido a la cortedad de sus tubos. El fuelle se acciona con un mano mientras con la otra se tañe el teclado. Se utilizaron hasta bien entrado el siglo XV en procesiones religiosas, y música de calle.
  La más antigua reproducción de un órgano portativo se encuentra en un capitel del bellísimo monasterio románico de Santa María la Real de Nieva, en Segovia, la cual puedes ver más abajo.

El clavicordio

Los primeros clavicordios propiamente dichos tuvieron 14 cuerdas en el siglo XIV, y varias teclas por cada cuerda, pero ya en el siglo XV aparece un verdadero instrumento de tres octavas de extensión. Su mecanismo constaba de una palanca que al pulsar la tecla golpeaba con un hierrito o tangente la cuerda. Su sonido era muy debil aunque permitía más expresividad que los instrumentos de pluma como el cémbalo. Al principio del siglo XVI constaban de 38 teclas, y venían provistos de una octava corta. Hasta el siglo XVIII se habla de clavicordio para referirse a cualquier instrumento de tecla y pluma, y al clavicordio se le llama monocordio, lo cual hace que haya gran confusión al respecto.

El cémbalo o clavicémbalo

Instrumento de cuerdas punteadas por un plectro hecho con medio cañon de pluma de ave, generalmente cuervo. A diferencia del clavicordio era un instrumento con gran resonancia. Dependiendo de la forma y el tamaño del mueble que lo alojaba recibía uno u otro nombre, por ejemplo virginal, clavecín, clave, cembalo, pero hasta la 2ª mitad del siglo XVIII, en España aparecen todos englobados bajo el nombre genérico de clavicordio.
Los instrumentos renacentistas de este tipo eran pequeños, con una extensión no superior a tres octavas y media, o cuatro a lo sumo. Disponían de un solo registro, y por tanto una cuerda por tecla, aunque más tarde se les incorporó un fieltro que hacía efecto de laud. Hacia finales del XVI algunos instrumentos llevaban dos teclados.
En España Moferrez, morisco de Zaragoza, fue un excelente constructor de todo tipo de instrumentos de tecla en tiempos de los reyes católicos.
De los instrumentos conservados hoy en día destaca el conservado en Tordesillas, construido en 1570 en Amberes por Johannes Bossus, citado por Praetorius como uno de los mejores de su tiempo; se conserva en perfecto estado. Hay otro que se conserva en Segovia, construido poe Hans Ruckers el Joven, fechado en 1601, aunque este se conserva en un estado lamentable.

INSTRUMENTOS DE CUERDA

La cítara

Esta palabra designaba en la antigüedad varios instrumentos de cuerdas punteadas. En España aparece como instrumento genérico de cuerda. También se conoce con ese nombre un instrumento de forma generalmente trapezoidal, proveniente de oriente medio, que se tañe percutiendolo con unos mediadores en forma de macillo. En las cantigas aparece un ejemplar punteado con los dedos, al que algunos identifican con la cedra, (a la que otros autores describen como cordófono con mástil ¡Qué lio!) y también la Rota o crota, cítara en forma de triangulo rectangular con 17 cuerdas, que puede tañerse con los dedos o con plectro.

El monocordio

En la Edad Media se conocían tres tipos de monocordio:

1. Monocordio tonométrico. Una caja oblonga de madera, y tendida sobre ella una única cuerda. Una clavija permitía alargar o acortar la cuerda, según las proporciones previamente grabadas en la caja, corresponsientes a distintos intervalos armónicos. La cuerda se puntéa con un plectro o con los dedos directamente. En algunas imágenes medievales se representaba a Pitágoras con uno de estos instrumentos, ya que según la leyenda fue el quien sistematizó los armónicos, ayudado de uno de estos instrumentos.
   
2. El monocordio de arco es una variante del monocordio tonométrico, siendo la caja de forma triángular o trapezoidal en vez de rectángular, pudiendo constar de una o dos cuerdas, que se tañían por frotamiento utilizando un arco. En siglos posteriores se le conocerá con el nombre de trompa marina. En el retablo de piedra de la iglesia parroquial de Farfanya (Lerida), se encuentra la única representación conocida en nuestro pais de este instrumento.
   
3. El monocordio de teclado, manicordio o clavicordio, origen del que luego será clavicordio. 

Cordados con mástil: Punteados

La guitarra latina

También deriva su nombre de la cítara. Consta de una caja de contorno entallado con amplias escotaduras a los lados, hombros caídos pero rectos y dorso plano. El mástil es largo con un clavijero entallado, cinco cuerdas punteadas por un plectro o con los dedos. Ejemplos medievales tenemos en la portada de San Miguel de Estella, San Lorenzo de Carboeiro (Pontevedra), y en la colegiata de Santa María de Toro en Zamora, todas del siglo XII. También está reproducida en las cantigas. Fue un instrumento asociado a la música popular, en contraposición al laud y más tarde a la vihuela. Desde finales del XVII, vuelve a ocupar un lugar destacado dentro de la música culta en nuestro país, en su versión barroca, de mayor sonoridad que la vihuela, a la que reemplaza.

4. NOTACIÓN MUSICAL: GUIDO D´AREZZO

Guido d´Arezzo:

El benedictino Guido d´Arezzo (990-1050), quien inventa nuestro sistema de solfeo, aportando:
 - Las líneas horizontales entre las que se escriben las notas; al principio eran cuatro, tetragrama, y después cinco, pentagrama.
- Sitúa una nota en cada línea o entrelínea.
- Da nombre a cada nota, deduciéndolas del himno de San Juan Bautista,   tomando cada una de la primera sílaba de cada verso.

Guido de Arezzo o Guido Aretino (Guido d’Arezzo en italiano) fue un monje benedictino, teórico musical y figura central de la música de la Edad Media junto con Hucbaldo (840 - c. 930). Nació en Arezzo (Toscana) el año 991/992 y falleció en Avellano después de 1050. También era conocido como Güido Aretinus o Güido Mónaco (el monje Guido).
Perfeccionó la escritura musical con la implementación definitiva de líneas horizontales que fijaron alturas de sonido, cercano a nuestro sistema actual y acabando con la notación musical. Finalmente, después de ensayar varios sistemas de líneas horizontales se impuso el pentagrama griego: cinco líneas. Su obra Micrologus fue el segundo tratado sobre música con mayor difusión en la Edad Media tras las obras de Boeci.

Guido de Arezzo es también el responsable de los nombres de las notas masicales. En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota la).
En aquella época solía cantarse un himno a san Juan el Bautista —conocido como Ut queant laxis— atribuido a Pablo el Diácono, que tenía la particularidad de que cada frase musical empezaba con una nota superior a la que antecedía.
Guido tuvo la idea de emplear la primera sílaba de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban. El texto en latín de este himno rezaba así:

El himno a san Juan Bautista.

Ut queant laxis,

Resonare fibris,

Mira gestorum,

Famuli tuorum,

Solve polluti,

Labii reatum,

Sancte Ioannes.

5. MÚSICA ANTIGUA EN ESPAÑA

A principios del siglo XVI se desarrolló un estilo polifónico coral que estaba próximo al estilo de la escuela franco-flamenca de música. Entre los más populares compositores de la época figuran Mateo Flecha el viejo, el dramaturgo castellano Juan del Encina, Juan de Anchieta,Francisco de Salinas y el organista Antonio de Cabezón. Gran parte de la producción musical de la época fue impreso en cancioneros entre los que pueden mencionarse el Cancionero de Palacio, el Cancionero de Medinaceli, el Cancionero de Uppsala y el Cancionero de la Colombina.

La unificación de estilo ocurrió en época de Carlos l de España, emperador del Sacro Imperio, ya que músicos del norte visitaron España y músicos españoles viajaron a otros territorios del Imperio: Países Bajos, Alemania e Italia. Los grandes compositores del Renacimiento incluyen a Francisco Correa de Arauxo y, especialmente a Francisco Guerrero y Cristóbal de Morales, activos también en Roma. Quizás el de más renombre fue Tomás Luis de Victoria, que también pasó una larga temporada en Roma y cuya perfección polifónica e intensidad expresiva se pueden comparar a las de Palestrina y Lassus. Muchos compositores solían volver hacia el final de su carrera para extender sus conocimientos musicales en su país natal.

Entre las mayores realizaciones del Renacimiento ibérico destaca la música instrumental para vihuela, con exponentes como Luis de Milán,Alonso de Mudarra, Luis de Narváez o Miguel de Fuenllana. Se atribuye a Vicente Espinel el añadido de una quinta cuerda a la guitarra. José Nebra, Antonio Soler y Antonio Abadía son otros compositores importantes del barroco tardío y del inicio del clasicismo.

5.1 REPRESENTANTES PRINCIPALES

Savall empezó a estudiar música a los seis años en el coro de la escuela deIgualada(1947-1955). En 1965 acabó sus estudios superiores de música y violonchelo en el Conservatorio de Barcelona.

En 1968 se trasladó a Suiza para ampliar su formación en la Schola Cantorum Basiliensis, reivindicando un instrumento antiguo casi olvidado, la viola de gamba, y defendiendo la importancia de la música antigua de la península Ibérica. En este centro fue discípulo del maestro August Wenzinger, a quien sucedió en 1973.

En 1970 empezó una exitosa carrera como intérprete de viola de gamba, de la que es considerado por la crítica uno de los más grandes intérpretes.

Entre 1974 y 1989 fundó tres conjuntos, Hespèrion XX (1974, ahora Hespèrion XXI), La Capella Reial de Catalunya (1987) y Le Concert des Nations (1989), con repertorios que van desde la Edad Media al siglo XIX, pero que siempre son interpretados con el máximo rigor histórico.

Ha dirigido orquestas de prestigio como la Orquesta Sinfónica de la Fundación Calouste Gulbenkian, la Orquesta Camerata deSalzburgo, la Wiener Kammerorchester y la Philarmonia Baroque Orchestra de San Francisco.

Durante más de 25 años de reivindicación de la música antigua, Jordi Savall ha recibido numerosas distinciones: En 1988 fue nombrado«Officier de l'Ordre des Artes et des Lettres» por el Ministerio de Cultura de Francia. En 1990 recibió la Creu de Sant Jordi de laGeneralidad de Cataluña. En 1998, el Ministerio de Cultura de España le otorgó la Medalla de Oro de las Bellas Artes, y desde 1999 es Miembro de Honor de la Konzerthaus de Viena. También ha recibido el Premio de Honor de la Fundación de Jaime l, y ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Université Catholique de Lovaina (Bélgica).

Hespèrion XXI

Hespèrion XXI es un grupo internacional que interpreta música antigua. Fue formado en Basilea, en 1974, por su director Jordi Savall (instrumentos de cuerda con arco), Montserrat Figueras (vocalista), Lorenzo Alpert (flautista, percusionista) y Hopkinson Smith (instrumentos de cuerda punteados). Inicialmente fue llamado Hespèrion XX, pero a partir de 2000, el grupo pasó a denominarse Hespèrion XXI.

El origen del nombre del conjunto se remonta a que en la antigüedad se denominaba Hesperia a las dos penínsulas más occidentales de Europa: la Italiana y la Ibérica. En griego antiguo Hesperio significaba “originario de una de estas dos penínsulas”, y también era el nombre que se daba al planeta Venus cuando aparecía en occidente por la noche.